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La velocità e la rottura con il passato

Il Futurismo Italiano

Il futurismo è un’avanguardia storica di matrice totalmente italiana. Nato nel 1909, grazie al poeta e scrittore Filippo Tommaso Marinetti, il futurismo divenne in breve tempo il movimento artistico di maggior novità nel panorama culturale italiano. Si rivolgeva a tutte le arti, comprendendo sia poeti che pittori, scultori, musicisti, e così via, proponendo in sostanza un nuovo atteggiamento nei confronti del concetto stesso di arte.

Ciò che il futurismo rifiutava era il concetto di un’arte élitaria e decadente, confinata nei musei e negli spazi della cultura aulica. Proponeva invece un balzo in avanti, per esplorare il mondo del futuro, fatto di parametri quali la modernità contro l’antico, la velocità contro la stasi, la violenza contro la quiete, e così via.

In sostanza il futurismo si connota già al suo nascere come un movimento che ha due caratteri fondamentali:

  • l’esaltazione della modernità;

  • l’impeto irruento del fare artistico.

Il fenomeno del futurismo ha quindi una spiegazione genetica molto chiara. La cultura dell’Ottocento era stata troppo condizionata dai modelli storici. Il passato, specie in Italia, era divenuto un vincolo dal quale sembrava impossibile affrancarsi. Oltre ciò, la tarda cultura ottocentesca si era anche caratterizzata per quel decadentismo che proponeva un’arte fatta di estasi pensose quale fuga dalla realtà nel mondo dei sogni. Contro tutto ciò insorse il futurismo, cercando un’arte che esprimesse vitalità e ottimismo per costruire un mondo nuovo basato su una nuova estetica.

L’adesione al futurismo coinvolse molte delle giovani leve di artisti, tra cui numerosi pittori che crearono nel giro di pochi anni uno stile futurista ben chiaro e preciso. Tra essi, il maggior protagonista fu Umberto Boccioni al quale si affiancarono Giacomo Balla, Gino Severini, Luigi Russolo e Carlo Carrà.

Il movimento ebbe due fasi, separate dalla prima guerra mondiale. Lo scoppio della guerra disperse molti degli artisti protagonisti della prima fase del futurismo. Boccioni morì nel 1916 in guerra. Carrà, dopo aver incontrato De Chirico, si rivolse alla pittura metafisica e come lui, altri giovani pittori, quali Mario Sironi e Giorgio Morandi, i cui esordi erano stati da pittori futuristi.

Nel dopoguerra il carattere di virile forza di questo movimento finì per farlo integrare nell’ideologia del fascismo, esaurendo così la sua spinta rinnovatrice e finire paradossalmente assorbito negli schemi di una cultura ufficiale e reazionaria. Questa sua adesione al fascismo ne ha molto limitato la critica riscoperta da parte della cultura italiana che ha sempre visto questo movimento come qualcosa di folkloristico e provinciale. La sua rivalutazione sta avvenendo solo da pochi anni e solo dopo che soprattutto la storiografia inglese ha storicamente rivalutato questo fenomeno artistico. Il futurismo, tuttavia, nonostante il suo limite di essere un movimento solo italiano, e non internazionale, ha esercitato notevole influenza nel dibattito artistico di quegli anni, contribuendo in maniera determinante alla nascita delle avanguardie russe, quali il Cubofuturismo, il Suprematismo e il Costruttivismo.

La pittura futurista ha molte analogie con il cubismo e qualche notevole differenza. Il cubismo scomponeva l’oggetto in varie immagini e poi le ricomponeva in una nuova rappresentazione. Il futurismo non intersecava diverse immagini della stessa cosa ma interseca direttamente diverse cose tra loro. Il risultato stilistico a cui si giungeva era, però, molto simile ed affine. Del resto, non bisogna dimenticare che gli artisti futuristi erano ben a conoscenza di ciò che il cubismo faceva in Francia. Non solo perché il futurismo nacque, di fatto, a Parigi con Marinetti, ma anche perché uno di loro, Gino Severini, viveva ed operava nella capitale francese.

Ciò che invece distingue principalmente i due movimenti fu soprattutto il diverso valore dato al tempo. Come detto, la dimensione temporale era già stata introdotta nella pittura dal cubismo. Ma si trattava di un tempo lento, fatto di osservazione, riflessione e meditazione. Il futurismo ha invece il culto del tempo veloce. Del dinamismo che agita tutto e deforma l’immagine delle cose.

È proprio la velocità il parametro estetico della modernità. Del resto il mito della velocità per il futurismo ha degli impeti quasi religiosi. Disse Marinetti in un suo scritto: «Se pregare vuol dire comunicare con la divinità, correre a grande velocità è una preghiera».

Nei quadri futuristi, la velocità si traduceva in linee di forza rette che davano l’idea della scia che lasciava un oggetto che correva a grande velocità. Mentre in altri quadri, soprattutto di Balla, la sensazione dinamica era ricercata come moltiplicazione di immagini messe in sequenza tra loro. Così che le innumerevoli gambe che compaiono su un suo quadro non appartengono a più persone, ma sempre alla stessa bambina vista nell’atto di correre («Bambina che corre sul balcone»).

Fonte:

http://www.francescomorante.it/pag_3/310.htm

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Pablo Picasso, 1914

La guitare selon Picasso

Jusqu’ à la création de la guitare  de Picasso, la sculpture consiste à retirer de la matière à un volume, afin d’ en dégager une forme.  De plus, la sculpture est  essentiellement figurative, réaliste.  Avec la guitare,, Picasso fait exactement le contraire.  Il crée une forme, en ajoutant de la matière; c’ est-à-dire, en assemblant des matériaux pour former une sculpture. L’ artiste, avec sa création toute nouvelle, allait modifier et renouveler  cet art, en lui donnant un nouvel élan,  inspirant bon nombre de sculpteurs, au cours des décennies suivantes.  De plus, à cette époque, la norme veut que la sculpture  se travaille avec des matériaux que l’ on dit nobles. L’ artiste espagnol, lui, utilise plutôt des matériaux nouveaux, de récupération: vieille tôle découpée, carton, papier journal, fil de fer etc.  Voilà ce qui tranche fermement avec les coutumes habituelles.  La guitare est un thème très cher à l’ artiste durant les années 1912-14, autant dans sa production artistique, que dans sa vie personnelle.  Il  fait de nombreux croquis et études cubistes, avant de créer sa première sculpture sur ce thème.  Celle-ci est réalisée d’abord en carton, puis le thème est repris quelques mois plus tard, sous la forme d’ une guitare construite en tôle découpée, assemblée par soudure, agrémentée avec du fil de fer.  Le tout bien entendu, avec la technique  cubiste, des formes décomposées et recomposée, en plans, géométriques .  C’ est à partir de cette oeuvre, que les historiens de l’ art, en général, identifient la naissance  de la sculpture moderne.  Quoique marquante, cette étape n’ est que le commencement d’ une formidable avancée dans cet art majeur. En effet, ce point de départ, permettra à de grands créateurs de pousser encore plus loin, l’ ingéniosité, la curiosité et les idées nouvelles en matière de sculpture, et de révolutionner les façons de faire.

Source:

http://chroniquart.craym.eu/mapage30/index.html

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